Lorem Ipsum Dolor Sit Amet

Sea summo mazim ex, ea errem eleifend definitionem vim. Ut nec hinc dolor possim mei ludus efficiendi ei sea summo mazim ex.

Nisl At Est?

Sea summo mazim ex, ea errem eleifend definitionem vim. Ut nec hinc dolor possim mei ludus efficiendi ei sea summo mazim ex.

In Felis Ut

Phasellus facilisis, nunc in lacinia auctor, eros lacus aliquet velit, quis lobortis risus nunc nec nisi maecans et turpis vitae velit.volutpat porttitor a sit amet est. In eu rutrum ante. Nullam id lorem fermentum, accumsan enim non auctor neque.

Risus Vitae

Phasellus facilisis, nunc in lacinia auctor, eros lacus aliquet velit, quis lobortis risus nunc nec nisi maecans et turpis vitae velit.volutpat porttitor a sit amet est. In eu rutrum ante. Nullam id lorem fermentum, accumsan enim non auctor neque.

Quis hendrerit purus

Phasellus facilisis, nunc in lacinia auctor, eros lacus aliquet velit, quis lobortis risus nunc nec nisi maecans et turpis vitae velit.volutpat porttitor a sit amet est. In eu rutrum ante. Nullam id lorem fermentum, accumsan enim non auctor neque.

Eros Lacinia

Sea summo mazim ex, ea errem eleifend definitionem vim. Ut nec hinc dolor possim mei ludus efficiendi ei sea summo mazim ex.

Lorem ipsum dolor

Sea summo mazim ex, ea errem eleifend definitionem vim. Ut nec hinc dolor possim mei ludus efficiendi ei sea summo mazim ex.

img

Sed ut Perspiciatis Unde Omnis Iste Sed ut perspiciatis unde omnis iste natu error sit voluptatem accu tium neque fermentum veposu miten a tempor nise. Duis autem vel eum iriure dolor in hendrerit in vulputate velit consequat reprehender in voluptate velit esse cillum duis dolor fugiat nulla pariatur.

Ipsum dolor - Ligula Eget

Turpis mollis

Sea summo mazim ex, ea errem eleifend definitionem vim. Ut nec hinc dolor possim mei ludus efficiendi ei sea summo mazim ex.

Vioara cu goarnă: informații utile pe care trebuie să le cunoști dacă îți dorești un astfel de instrument

Vrei să cânți la un instrument special și nu știi exact ce alegere să faci? Vioara cu goarnă este, în cazul acesta, o alegere pe care ar trebui să o iei în considerare. Bineînțeles, înainte de a achiziționa orice instrument muzical, trebuie să cunoști câteva aspecte și lucruri importante despre acesta. Citește în continuare acest articol pentru a descoperi mai multe si vei decide, în final, dacă este instrumentul care ți-a furat inima sau nu.

1. Vioara cu goarnă și celelalte tipuri de viori

În plus față de vioara tradițională cunoscută astăzi, mulți violoniști moderni cântă și la alte variante, inclusiv la vioara în stil baroc, la vioara electrică sau la instrumentele regionale rare și chiar la vioara cu cinci corzi. Înainte de a alege o vioară potrivită pentru tine, este esențial să cunoști câte ceva despre fiecare.

Vioara modernă (clasică)

Vioara modernă, adesea denumită și vioara clasică, este una dintre cele mai iconice instrumente din toate timpurile. Modelul pe care îl cunoști în prezent a fost dezvoltat la sfârșitul anilor 1700, evoluând de la instrumente cu coarde mai vechi, precum Rabab și Rebec. Astăzi, majoritatea viorilor sunt modelate după instrumente din anii 1500 – 1800, iar mulți violoniști se pot aștepta să vadă „Stradivarius”, „Guarneri del Gesu” sau „Guadagnini” pe etichetele instrumentelor lor, deoarece majoritatea producătorilor moderni aleg unul dintre acești maeștri.

La apogeul perioadei de muzică clasică, François Xavier Tourte a schimbat pentru totdeauna lumea violoniștilor. Au avut loc și numeroase alte inovații care au schimbat modul în care violoniștii cântau la instrumentele lor.

Vioara baroc

Viorile de tip baroc au o configurație ușor diferită de viorile moderne, deși, din punct de vedere structural, sunt foarte asemănătoare cu viorile folosite astăzi. Principala diferență a fost reprezentată de faptul că foloseau corzi făcute din intestine de animale. Astăzi, există mulți muzicieni cărora le place să cânte în stil baroc, folosind un arcuș tradițional și o vioară setată în stilul vechi.

Chiar și folosind o vioară modernă, interpreții interesați să cânte în stil baroc o pot regla până la A415 Hz (cu mult mai jos decât tonul standard A440 Hz), obținând sunetul scăzut. 

Vioara lăutărească

În cea mai mare parte, violoniștii vor folosi termenul „lăutărie” pentru a se referi la unul dintre cele două lucruri: un stil de a cânta la vioară, cel mai frecvent asociat cu muzica celtică, bluegrass sau country, sau doar un mod casual de a se referi la o vioară. În muzica lăutărească, muzicienii improvizează de obicei pe melodiile tradiționale, alăturându-se ansamblurilor care se concentrează pe o carte de cântece comună. Mulți lăutari încorporează tehnica clasică, în timp ce se bazează pe o puternică cunoaștere armonică pentru a-și conduce sau însoți trupa.

Cei mai mulți lăutari cântă la vioara tradițională, mulți folosesc viorile electrice sau electroacustice, iar unii cântă chiar la viorile rustice de țară, realizate de lutierii amatori. 

Vioara electrică

O vioară electrică produce sunetul conectând un pick-up la pod și colectând toate vibrațiile cauzate de coardă, ca o chitară electrică. Sunetul este transferat către un amplificator care trimite sunetul puternic și electric către public. Mulți violoniști încearcă să facă instrumentul să sune ca o chitară electrică, alții îl folosesc pur și simplu pentru a-și proiecta sunetul către un public mai mare. 

Vioara semi-acustica

Viorile semi-acustice sunt de obicei instrumentele obișnuite, fie cu un pick-up atașat la pod, fie cu un instrument complet personalizat, cu elemente electronice încorporate în bază. Unii muzicieni folosesc instrumente echipate cu electronică internă. Alți muzicieni preferă să folosească pick-up-uri externe, cum ar fi microfoanele de contact care se lipesc de exteriorul podului sau de fața instrumentelor.

Principalul avantaj al viorilor semi-acustice față de instrumentele electrice este capacitatea de a menține un sunet de vioară clar și bine rotunjit chiar și în timp ce este amplificat. Cu instrumentele electrice, mulți muzicieni consideră că trebuie să-și schimbe drastic abordarea pentru a găsi sunetul care le place atât lor, cât și publicului.

Vioara cu 5 corzi

Viorile cu cinci corzi oferă interpretului puternicul șir C al viorii, menținând, în același timp, ușurința registrului superior al unei viori pe coarda E. Deși au câștigat popularitate recentă, în special în rândul violoniștilor electrici, au fost de mult timp membri ai familiei viorilor.

În epoca barocă, viorile cu cinci corzi nu erau deloc rare și chiar au influențat unele dintre alegerile compoziționale din suita pentru violoncel a lui Bach.

Vioara cu goarnă

O altă „ciudățenie” a lumii muzicale, vioara Stroh este combinația strălucitoare, sumbră, a unei viori și a unei trompete. În loc să genereze sunet într-un corp gol sau să folosească un pick-up electric, vioara Stroh alimentează vibrațiile într-o cameră metalică conectată la un corn. Sunetul rezultat este unul exploziv, perfect pentru artiștii de stradă sau pentru oricine dorește un volum puternic într-un spațiu mare.

2. Lucruri interesante despre vioara cu goarnă

Vioara cu goarnă a fost inventată și brevetată în 1899 de către ceasornicarul german Johannes Matthias Augustus Stroh. La vremea aceea, el locuia la Londra, iar invenția sa a revoluționat vioara clasică și industria de înregistrare a muzicii la începutul secolului al XX-lea. Din acest motiv, vioara cu goarnă se mai numește și vioară Stroh, purtând, astfel, numele inventatorului ei.

Vioara Stroh a dispărut aproape din utilizare în secolul care a urmat invenției sale. A dispărut odată cu epoca noutății, a muzicii și a primelor tehnici de înregistrare mecanică, pentru care a fost inventată în primul rând. Până în anii 1920, când a avut loc apariția înregistrării electrice, toate sunetele trebuiau direcționate către un anumit punct. Instrumentele cu corzi erau deosebit de greu de înregistrat atunci, sunetele lor fiind insuficient direcționale. Cu toate acestea, în prezent nu se mai aplică lucrurile menționate mai sus, motiv pentru care muzica instrumentală produsă cu vioara cu goarnă este din nou la modă.

Un alt lucru interesant despre ea este că lumea o compară cu pianul, deși nu există prea multe asemănări între acestea. La o vioară poți cânta mai ușor dacă deja cânți la o chitară, însă, cu siguranță, faptul că le stăpânești pe acestea nu egalează cântatul la pian. Vioara are un ton mult mai diferit și este, de asemenea, mult mai limitativă în orice privință. Pianul are o profunzime mai mare, iar întinderea tonală este mult mai mare.

Înainte de dispozitivul de înregistrare acustică, nu a fost niciodată nevoie de un tip de instrument muzical cu corzi înclinate care să poată proiecta un sunet atât de puternic. Un lucru foarte important pe care ar trebui să îl cunoști despre inventatorul viorii cu goarnă este că el a fost un inginer, nu un violonist. Pentru ca vioara să supraviețuiască după 1900, a trebuit să îndeplinească o cerere uriașă. Industria de înregistrări a decolat și a existat o audiență în creștere rapidă. Stroh nu a fost inhibat de experiența de viață bazată pe cunoașterea și înțelegerea fabricării tradiționale a viorii și, în plus, piața muzicii era interesată prea mult de instrumentele care aveau potențial. În zilele înregistrării acustice nu exista televizor și interpretul devenea din ce în ce mai cunoscut doar prin muzica lui, aceasta răsunând cel mai puternic.

Eforturile depuse pentru a îmbunătăți sunetul viorii au fost constante de când a fost inventată. Fără îndoială, fiecare aspect al metodei sale de utilizare și al tehnicii de construcție a fost analizat de-a lungul anilor, cu ușoare ajustări făcute cu fiecare ocazie. Ceea ce există în mod natural este instrumentul muzical extrem de dezvoltat de astăzi. Munca lui Stroh întărește această opinie și, prin urmare, ar trebui să fie demnă de mai multă atenție și experimentări suplimentare, chiar și în România.

3. Vioara cu goarnă – denumire populară și tradiții românești

O vioară Stroh are patru până la cinci corzi, la care se cântă în mod clasic folosind arcușul. Totuși, podul se așează pe un braț metalic mobil, care transmite vibrațiile corzilor direct către o diafragmă. Sunetul rezultat este apoi amplificat de pâlnia îndreptată spre față (spre public). Pentru ca muzicianul să se audă, există și modele cu o a doua trompetă mult mai mică.

Sunetul viorii Stroh nu este la fel de scazut cum ai putea crede. Viorile Stroh sunt mult mai puternice decât viorile tradiționale, ceea ce reprezintă un mare avantaj atunci când vine vorba despre spectacole neamplificate. Designul cu una sau două pâlnii din aluminiu, tablă sau alamă este, de asemenea, o alegere excelentă pentru scena steampunk. Din fericire, vremurile în care o vioară Stroh era de patru până la cinci ori mai scumpă decât o vioară obișnuită sunt cu 100 de ani în urmă, așadar, dacă ești pasionat de instrumentele cu arcuș, o vioară Stroh poate fi perfectă pentru tine.

În tradiția poporului nostru, vioara cu goarnă este reprezentativă în Bihor. Totuși, în regiunea aceasta, este puțin diferită de clasica vioară Stroh. A fost construită până în secolul al XX-lea. Are aceeași lungime ca vioara Stroh, dar cornul său este mai îngust și dă un sunet mai direcțional. Structura instrumentului se bazează pe elementul de tungsten al unui gramofon. Amatorii sau micile ateliere îl puteau construi cu ușurință și, probabil din acest motiv, există multe variante în Europa de Est.

Vibrațiile corzilor și ale punții sunt transmise printr-o tijă subțire către membrana elementului gramofon. Membrana transformă aceste vibrații în unde sonore, care sunt amplificate de corn sau pahar. Această vioară cu goarnă este mai dificil de utilizat decât o vioară normală, deoarece reacția arcușului pe corzi este mai puțin flexibilă, iar greutatea instrumentului nu este distribuită uniform. Acest lucru provoacă un dezechilibru pe umăr. Instrumentul este încă folosit în muzica populară românească pentru a cânta la diverse evenimente din popor și se amestecă bine cu sunetul caracteristic al flautului. În general, este utilizat în mod redus datorită tonului său. Instrumentele precum vioara Stroh și alte tipuri de viori cu corn rămân o curiozitate, ele fiind destul de rare într-o orchestră. Vioara cu goarnă este folosită în special în muzica populară din regiunea Bihor, aici fiind o mulțime de soliști care să o folosească la potențial maxim.

Te-ai întrebat vreodată dacă poți învăța singur să cânți la vioară? Bineînțeles, nu este un instrument deloc ușor, iar tehnica din spate este foarte complexă. Totuși, dacă ești un om căruia îi plac provocările și ai suficientă răbdare încât să urmezi instrucțiuni de pe internet și diverse cursuri, atunci nu ar trebui să existe vreun obstacol.

Indiferent dacă alegi să cânți la vioară clasică, electrică, cu goarnă sau la alta complet diferită, tu, în calitate de violonist, vei fi unic, iar abordarea este cea mai importantă. Cu cât cunoști mai multe despre fiecare vioară și sunetul acesteia, cu atât vei învăța mai rapid cum să atingi potențialul maxim al instrumentului la care alegi să cânți. În final, ai nevoie doar de o ureche muzicală bună, accesoriile potrivite, un pic de imaginație și practică.

Sursa foto: Pexels.com, Shutterstock.com

Muzica dance – cele mai notabile momente și personalități din istoria acestui gen muzical

Muzica dance a apărut ca o extensie a muzicii electronice, fiind un gen muzical mult mai comercial. Succesul său de-a lungul anilor se datorează, în mare parte, faptului că oamenii pot dansa în voie, fiind muzica perfectă pentru distracție. Dacă vrei să afli mai multe informații despre muzica dance, despre simbolurile internaționale care i-au marcat istoria, dar și câteva dintre cele mai mari hituri, citește acest articol în continuare. 

1. Scurtă istorie a muzicii dance – de la anii ‘70, la anii ‘90 și prezent

Muzica dance a apărut la sfârșitul anilor ‘70, prin artiști ca Cerrone, Giorgio Moroder sau Donna Summer. A reușit să atragă atenția publicului și datorită unor filme precum Saturday Night Fever, apărut in 1977 și avându-l în rolul principal pe John Travolta. Muzica din film le aparține celor de la Bee Gees și a fost unul dintre cele mai bine vândute soundtrack-uri din toate timpurile.

De asemenea, ea a fost promovată și susținută de mai mulți DJ din Chicago, ca Farley „Jackmaster” Funk sau Frankie Knuckles, fiind transformată dintr-un stil muzical care era considerat la început superficial, într-un curent care lupta împotriva sistemului de promovare exclusiv a starurilor („star system”). Unii specialiști afirmă că apariția muzicii dance se datorează, în mare măsură, unei reacții colective împotriva dominației muzicii rock, precum si a stigmatizării muzicii de dans.

Termenul de muzică dance este destul de vag, el înglobează, în general, sunete muzicale bazate pe un ritm și tempouri foarte rapide. Muzica dance este realizată prin mijloace tehnologice, fiind folosite o varietate de mixere și procesoare, calculatoare și sintetizatoare. De foarte puține ori presupune mai mult de trei instrumente fizice.

Încă de la începutul anilor ‘90, a devenit un fenomen de masă. Este un stil care prinde la tineri, indiferent de locația unde se ascultă: cluburi, discoteci, baruri. Unul dintre principalele motive pentru care muzica dance a avut acest succes fantastic este caracterul comercial al versurilor simple, ușor de reținut.

Scopul declarat al acestui gen muzical este să-i țină pe fanii săi și pe iubitorii cluburilor de noapte pe ringul de dans. Urmează o listă cu piese care au influențat istoria muzicii dance, iar dacă îți dorești să înțelegi mai bine acest gen muzical, sfatul nostru este să le asculți pe toate, în ordinea următoare:

A Guy Called Gerald – „Voodoo Ray” (1988)

Inner City – „Big Fun” (1988)

808 State – „Pacific State” (1989)

LFO – „LFO” (1990)

Future Sound of London – „Papua New Guinea” (1991)

Orbital – „Belfast” (1991)

The Orb – „Little Fluffy Clouds” (1991)

Gat Décor – „Passion” (1992)

M-Beat feat General Levy – „Incredible” (1994)

Goldie – „Inner City Life” (1994)

Underworld – „Born Slippy” (1995)

Björk – „Hyperballad” (1996)

The Chemical Brothers – „Block Rockin Beats” (1997)

Roni Size, Reprazent – „Brown Paper Bag” (1997)

Roy Davis Jr ft Peven Everett – „Gabriel” (1997)

The Prodigy – „Firestarter” (1997)

Aphex Twin – „Windowlicker” (1999)

Laurent Garnier – „The Man With The Red Face” (2000)

Daft Punk – „One More Time” (2001)

High Contrast – „Racing Green” (2004)

Soulwax – „E Talking” (2004)

Justice Vs Simian – „We Are Your Friends” (2006)

Burial – „Archangel” (2007)

La Roux – „In For The Kill” (Skream Remix) (2009)

Caribou – „Sun” (2010)

Julio Bashmore – „Au Seve” (2012)

Disclosure ft Sam Smith – „Latch” (2012)

Daniel Avery – „Drone Logic” (2014)

Bicep – „Glue” (2017)

Peggy Gou – „It Makes You Forget” (Itgehane) (2018)

2. Simboluri internaționale ale muzicii dance

Unul dintre primii promotori ai muzicii dance este DJ David Mancuso. În anii ‘70, el a creat conceptul serilor private de la Loft, în cadrul cărora punea muzică pentru cei care îi treceau pragul. Aceste seri au marcat viața culturală din New York-ul acelor ani. Numele vine de la apartamentul său imens, situat in Manhattan. Prima astfel de petrecere s-a numit Love saves the day și a primit cu brațele deschise toate păturile sociale defavorizate. 

Succesul acestor seri l-a determinat să le organizeze într-un cadru mai formal. De asemenea, el primea un număr mare de homosexuali hărțuiți de poliție, ceea ce l-a transformat într-un susținător al acestora. Petrecerile sale au devenit săptămânale și au fost un exemplu pentru celelalte cluburi newyorkeze.

În Europa, unul dintre cele mai cunoscute cluburi de muzică dance este Ministry of Sound, deschis la Londra în anul 1991. De atunci, a devenit lider de opinie printre clubberii din toată lumea. Succesul său venea de la calitatea foarte bună a muzicii pe care o promova, sonorizarea de excepție, dar și renumele pe care și-l formase în timp, devenind un brand influent. Astfel, clubbing-ul s-a transformat dintr-un curent underground în unul mai mainstream, transformând Ministry of Sound într-un pol de influență pentru preferințele și stilul tinerilor. 

În 1993, Ministry of Sound și-a lansat propria casă de discuri, lansând numeroase piese care au ajuns pe primele locuri ale clasamentelor de muzica. În prezent, este o autoritate în ceea ce privește muzica dance și este cea mai mare casă de discuri de muzică dance din Marea Britanie. În total, compania a vândut peste 30 de milioane de albume. În 2001 si 2002, Ministry of Sound a organizat petreceri de Anul Nou în Millennium Dome din Londra, strângând 45.000 de persoane.

Numele de Ministry of Sound le este multora familiar de la emisiunea și stația de radio cu același nume, care difuzează muzică dance pe internet, având o audiență de peste 25 de milioane de ascultători, în peste 35 de țări.

Canalul german de muzică VIVA a funcționat în perioada 1993-2018 și a fost cel mai popular canal TV de muzică dance din Europa. VIVA a apărut într-o perioadă în care piața era sătulă de decizia MTV de a difuza exclusiv piese în limba engleză. Postul a fost foarte popular în anii ‘90 și a fost distribuit în rețelele de cablu din Austria, Ungaria, România, Franța, Italia etc. În 1995 se lansează VIVA Zwei, care promova în special piese și artiști germani nu foarte cunoscuți. În 2011, MTV cumpara VIVA și în anul 2018, canalul VIVA se închide și devine Comedy Central Germania. Melodia care a marcat închiderea postului se numește „Viva forever” și a fost interpretată de celebrele Spice Girls.

Kim Sanders este considerată una dintre vocile emblematice ale muzicii dance din anii ‘90. Venită din statul american Indiana în Germania, cariera ei solo a început în 1993, însă, nu s-a bucurat de prea mult succes. Un an mai târziu, se alătură trupei Loft, cu care lansează piese cunoscute precum Hold on, iar în 1998 devine solistă în proiectul Culture Beat. După un eșec solo, Kim Sanders ia o pauza până în 2011, când apare la Vocea Germaniei și se clasează pe a doua poziție. 

 3. Muzica dance in România

În România, muzica dance nu a generat, inițial, o mare mișcare culturală, însă a reprezentat o perioadă de tranziție, care a acoperit nevoia populației de a avea acces la televizor, prin programe cu o mare audiență, precum „Școala Vedetelor”, care a lansat numeroși artiști. 

Anii ‘90 și ieșirea din comunism au marcat apariția a numeroase trupe dance în România, precum: Double D, N&D, 3 Sud Est, Valahia, Andre, Body&Soul. Aceste trupe se bucurau de un succes incredibil, vindeau toate biletele la concerte, iar tinerii se identificau cu membrii trupelor și îi idolatrizau.

Anii 2000 au adus schimbări acestui gen muzical, prin apariția mai multor posturi de televiziune, precum și a unui nou stil de trupe dance: O-Zone, DJ Project, Akcent, care se bucurau de un mare succes nu doar în România, ci și în Europa. Această perioadă continuă în 2009 cu apariția unui nou artist pe piața muzicală din România, respectiv Inna, care, alături de Play&Win a devenit cunoscută în toată lumea. Alături de ea, alte nume au devenit cunoscute: Anda Adam, Akcent, Alexandra Stan și Edward Maya sunt doar câteva dintre cele mai cunoscute nume a căror faimă a depasit granitele tarii. 

Videoclipul piesei „Mr. Saxobeat” al Alexandrei Stan a reușit să adune aproape 300.000.000 de vizualizări pe platforma YouTube. Piesa a ajuns, de asemenea, chiar în Billboard Hot 100, pe poziția cu numărul 21.

În mod evident, muzica dance a schimbat pentru totdeauna piața muzicală din lumea întreagă. În pofida aparenței ușor superficiale, acest gen muzical a unit milioane de tineri și a fost o mică parte a revoluției muzicale nu doar pe plan internațional, dar și la noi în țară.

Sursa foto: Unsplash.com

Smooth jazz – De la improvizație la elementul comercial

Tipul de jazz care este blând și relaxat a fost numit inițial “smooth radio”. Deși criticat de-a lungul timpului pentru ușoara rigiditate dată de lipsa elementului de improvizație, acesta este în continuare unul dintre genurile muzicale iubite de mulți. Cu toate că istoria acestui gen a fost încărcată de remarci legate de lipsa de “pasiune” și creativitate a muzicienilor, smooth jazz-ul a crescut în popularitate în anii ‘80 cu hit-uri de la Anita Baker sau Sade. Pentru o incursiune în istoria acestui gen muzical, citește acest articol și descoperă detalii despre cum a luat naștere și caracteristici principale.

1. Jazz și Smooth Jazz – Scurtă istorie

Jazz-ul s-a născut pe pământ american, mai exact în New Orleans, în secolul al XX-lea. Jazz-ul nu a apărut că atare, ci ca un amalgam de stiluri, printre care: Ragtime, care este o muzică de pian cântată prin baruri, Dixieland, muzică country reinterpretată la oraș, Boogie-Woogie, derivat din blues. Așadar, originile jazz-ului se găsesc în muzica tradițională a sclavilor africani, în cântecele culegătorilor de bumbac, în melodiile cu tentă religioasă.

Cuvântul “jazz” vine de la o mișcare de dans din Louisiana, “chasse-beau” în jargonul local, jasm sau gism însemnând rapiditate și energie sau de la numele unei prostituate din New Orleans, Jezebel.

Una dintre principalele caracteristici ale jazz-ului este faptul că în timpul interpretării se improvizează foarte mult, astfel că nicio piesă nu sună a doua oară exact la fel. Din acest motiv, jazz-ul a evoluat semnificativ de-a lungul timpului. 

Sincopa presupune modificarea ritmului interpretării, iar swing-ul este sentimentul de legănare când asculți muzica. Acestea se îmbină cu elemente preluate din muzica europeană și africană, respectiv notele de blues. Instrumentele folosite pentru redarea acestui stil sunt: saxofonul, clarinetul, trompeta, chitara bass, orga, chitara, pianul.


În comparație cu acesta, smooth jazz-ul nu este adeptul elementului de improvizație. Smooth jazz-ul este un stil născut la confluența dintre jazz și elemente funk, soul și pop și se înscrie în evoluția jazz-ului rock. Mai are de asemenea denumirea Rhythm & Jazz (rudă cu mai cunoscutul Rhythm and Blues). Termenul de smooth jazz nu indică neapărat un stil anume. Principala caracteristică a acestui gen este că atrage de partea jazz-ului un public care vine mai degrabă dinspre pop, rock sau R&B, iar motivul este că e mult mai ușor de ascultat și de dansat. 

Orice gen muzical își are propria lui morfologie, care se modifică și se îmbogățește în timp. Având în vedere ceea ce ne învață istoria jazz-ului și a muzicii în general, experiența precedă întotdeauna teoria. Geniul creator al marilor cântăreți de jazz a existat înaintea teoreticienilor și a hrănit reflecțiile și teoremele acestora. Chiar dacă compozitorii și muzicienii îmbogățesc în permanență structura acestui stil muzical, bazele sale s-au pus în timpul secolului al XX-lea. Marea majoritate a principiilor pe care cântăreții de jazz le folosesc în prezent sunt cele care au fost definite atunci.

Deși există cântece jazz scrise, unul dintre principii spune că muzica se simte și se improvizează la fața locului, în funcție de trăirea și talentul artistului. Desigur, această improvizație se face pornind de la niște reguli stilistice, ritmice și armonice care le permit instrumentiștilor să o cânte împreună, fără să devină o cacofonie muzicală. Modul specific în care funcționează un grup de jazz îi oferă o mare libertate de exprimare și de improvizație, iar din acest motiv cadrul pe care îl folosește trebuie să fie bine structurat.

2. Smooth jazz – reprezentanți și parcurs

Printre cei care au inițiat acest gen de muzică se numără Wes Montgomery sau Lonnie Liston Smith. În general, toți pionierii smooth jazz-ului au fost puternic influențați de soul și funk. Prima emisiune americană care a redat un moment muzical de smooth jazz se numea “The Quiet Storm” (Furtuna tăcută), iar asta se întâmplă în 1976.

Odată cu trecerea timpului, reprezentanții acestui gen muzical și-au propus să atragă și altfel de public, nu doar cel de culoare, iar Kenny G este unul dintre cele mai sonore nume în acest sens. 

Kenny G, născut în 1956 la Washington, și-a început cariera la vârsta de 17 ani, în orchestra Love Unlimited Orchestra a faimosului Barry White. După 1981, a colaborat intens cu Whitney Houston, Natalie Cole și Aretha Franklin.

Gurile rele reclama că smooth jazz-ul nu ar aparține de fapt jazz-ului, ci că ar fi mai degrabă muzica pop instrumentală, ceea ce este contestat de fanii genului. 

În ceea ce privește smooth jazz-ul vocal, acesta nu există cu adevărat, întrucât nu există un artist care să cânte exclusiv acest gen muzical. Totuși, anumiți cântăreți sunt asociați cu acest gen pentru că piesele lor sunt ascultate pe radiouri smooth jazz. Printre aceștia, se numără Diana Krall, Michael Franks. Dintre artiștii care au spart barierele jazz-ului, R&B-ului și pop-ului, cei mai cunoscuți sunt Rachelle Ferrell, Natalie Cole și Al Jarreau.

Smooth jazz-ul și jazz-ul în general aparțin unei categorii cu totul speciale, iar afro-americanii celei perioade au reușit în felul acesta să schimbe viziunea lumii asupra culturii și istoriei.

Sursa foto: unsplash.com